当我们说艺术家，我们在说什么？

2014-10-13 14:38:15　来源: 网易艺术举报

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自文艺复兴以来，“艺术家”这个称呼开始在欧洲获得独立身份，经历过现代主义的“艺术英雄”阶段，“艺术家”获得更加自由的空间，强调“艺术自律”的现代主义艺术史无疑慢慢将这些艺术家奉上了神坛。从尼采说“上帝死了！”之后，艺术家在某种程度上侵占了神坛的一角。尽管在中世纪以及以前，他们更多是为神坛服务的奴婢。

自古以来，中国的职业“画家”、“雕塑家”（或者统称为“职业艺术家”）从来没有很高的社会地位。只是更多文人介入绘画，才使其地位得以抬升，但是他们身份的真正获得要到了20世纪。西方的社会分层机制影响了中国，“艺术家”逐渐成为一个可以与“读书人”（20世纪分化的一枝被成为“知识分子”）平起平坐的社会角色。

这是我们谈论“艺术家”的历史语境。当我们说“艺术家”，我们在说什么？说的是哪个类型的艺术家？

我想很多人反应出的是现代主义的“艺术英雄”们，梵高、塞尚、高更、毕加索、马蒂斯……中国与之对应的林风眠、庞薰琹、关良、常玉、潘玉良、赵无极、吴冠中……，杜尚颠覆了现代主义的艺术自律模式之后，那我们怎么看艺术家呢？随之而来的社会文化史的研究方法更是从各种角度指点出这些“艺术英雄”与社会的更深层的关联性。

杜尚之后又出现了博伊斯，随之的安迪·沃霍尔、杰夫·昆斯、村上隆，接连颠覆“艺术”和“非艺术”的界限，于是有艺术史学惊呼“艺术死亡了！”

这一得到发展的艺术史脉络无时无刻不影响中国当代艺术的创作。并以共时性的方式在中国纷纷登场，各有一批拥戴者。中国当代艺术以其“批判性”、“介入性”、“问题针对性”为其主要基点，其实和康有为、陈独秀、徐悲鸿及其学生、国统区、根据地新兴木刻运动、乃至“艺术为工农兵服务”政策有更多的潜在的关联性。

上述两个貌似对立的艺术史阐释模式无时不在影响着中国艺术家。

但有两个问题一直是中国当代艺术的软肋：1、艺术家主体性的自我建构；2、中国当代艺术艺术语言的独立性。

此次之所以推荐艺术家罗苇，更多的是基于上述两点

她最近的创作以其“超越性”为基础彰显了自我的主体建构过程：她从一个“旁观者”，进而从各类宗教知识中提取能量，从具体个体的特有方式完善一个人的存在状态，激活了传统的血脉在她身上的潜伏状态。她自我世界的完善与个人的主体性建构相互促进，在毕业不到两年的时候，就已经成了一个独特的观察世界、介入世界的方法，这不得让我惊叹。

与上述过程同步，她进行着艰难的艺术语言的探索。从架上绘画，到平面装置，场景制造，她无师自通地扩展所使用的艺术语言的种类。更难能可贵的是，她的艺术语言始终保持着品质的纯粹性。这些语言方式彰显着她对身体、物质紧密咬合关系的把控，并将艰难磨砺出的主体灌入其中。她对身体以及语言的敏感，加上中国人特有的身体物质关系的在场，她的艺术语言表现出传统水墨世界的精致性。而她又不着一墨，对留下痕迹淡然笑之。

回想起来，第一次见到罗苇的作品是在两年前的毕业生作品展上，那个时候，我就知道：一个出色的艺术家已经出现。随后两年的时间里，我经常给周围朋友提及她，希望她能有展览机会。在这两年中，她的思维水平发展的速度让我惊诧，几个阶段的作品与她观察世界的方式相契合，展现了一个自足的艺术家世界的建构过程。

中国当代艺术已经经历了30多年的发展历程，就现在的艺术史写作来看，真正客观的解读可能会来自于国内学者。基于个体深入的挖掘，对既往阐释进行清理，并与西方展开真正的对话。这一对话即来自展览，也来自理论以及史学研究。阐释能力的提升，阐释权的获得必须在当下完成，否则难以摘去国内外观看中国当代艺术的“有色眼镜”。

从崔岫闻苏州个展《IU——我和你》，到2014年5月1日在今日美术馆举办的《灵魂之爱》，由此联想到罗苇时下的创作，一种源自内在感悟的自信正在出现。很多观众可能还不能走入她们的世界，感悟到她们的转变，以及她对所谓中国当代艺术的批评。但是已经发生，中国艺术要赢得尊敬的时刻已经到来，而不是“春卷”，“动物”，“符号”，“地域”，“意识形态”！她们使人明显感觉到一个新的纬度的出现，从视觉语言的批判性，到中国艺术家的主体建构问题。

别再为一个个西方艺术家建立一个个神坛，并且屈身下拜！关注你身边的中国艺术家，了解他们的探索，深入研究，并且支持他们！

一稿完成于2014-5-6

二稿完成于2014-06-03望京